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BÜCHER UND ARTIKEL Dreharbeiten: Tipps für Fernsehanfänger
Wo beginnt die Installation? Natürlich vom Shooting an. Ungenau gefilmtes Material führt zu vielen Bearbeitungsproblemen – das weiß jeder, der schon einmal versucht hat, „zufälliges“ oder einfach nur schlecht aufgenommenes Filmmaterial zu bearbeiten. Daher werden wir dieses Thema nicht ignorieren. Beginnen wir mit dem Einfachsten – praktischen Ratschlägen zu den Grundlagen der Vorbereitung und Organisation eines Shootings. Diese Tipps sollen nicht wahr sein. Ihre Aufgabe ist es, denjenigen zu helfen, die gerade erst ihren Weg zur Meisterschaft beginnen, beim Fotografieren in verschiedenen Genres „Fuß zu fassen“. Wie die Praxis zeigt, werden im Fernsehen täglich gegen diese scheinbar elementaren Regeln verstoßen. Darüber hinaus hängt der Erfolg der Dreharbeiten nicht nur von der Professionalität des Kameramanns ab, sondern auch von der Bereitschaft und der Kenntnis der Technik sowohl des Regisseurs als auch des Redakteurs. Aber wenn diese Regeln für Sie zum Schießstandard werden, ändern Sie sie nach Belieben – Sie werden die Grenze der Professionalität nicht mehr überschreiten. Grundlegende Schießregeln 1. Denken Sie bei der Auswahl einer Plattform für synchronisierte Darbietungen immer daran, dass der Betrachter die Situation auf dem Bildschirm nicht als Hintergrund, sondern als sieht Lebensraum Held. 2. Verlassen Sie sich bei Innenaufnahmen nicht auf natürliches Licht: Damit die Realität zum Rahmen wird, muss sie nicht nur beleuchtet, sondern auch mit Licht bemalt werden. Verwenden Sie wann immer möglich ein klassisches Lichtdesign, insbesondere bei Porträtaufnahmen. Dies ist nicht nur bei Geräten erforderlich: Verwenden Sie verschiedene Reflektoren, inkl. und natürlich im Raum präsent. 3. Achten Sie sorgfältig darauf, dass sich natürliches und künstliches Licht nicht vermischen. Natürliches Licht kann durch dicke Vorhänge abgedeckt oder durch künstliches Licht unterbrochen werden (dies ist ein weiterer Grund, warum Sie beim Fotografieren mehr Ausrüstung benötigen, als es auf den ersten Blick scheint). Wenn weder das eine noch das andere gelingt, suchen Sie entweder nach einem Tageslichtfilter (sehr teuer) oder wechseln Sie den Standort. Verlassen Sie sich nicht auf eine Farbkorrektur – das Ergebnis wird trotzdem ekelhaft sein. 4. ImmerVerwenden Sie, sofern keine besondere Aufgabe vorliegt, ein Stativ. Dies ist übrigens genau eines der wichtigsten äußeren Zeichen nicht nur der Professionalität, sondern auch der Kultur des Betreibers. Bevor Sie „a'la Urusevsky“ oder Fuchs fotografieren, lernen Sie, wie Moskvin zu arbeiten – dann können Sie es sich leisten, die Kamera vom Stativ zu entfernen, ohne das Material ernsthaft zu beschädigen. 5. Verlassen Sie sich bei der Vorbereitung auf ein Vorstellungsgespräch nicht auf Allgemeinwissen zum Thema, immer machen Sie einen "Fragebogen", aber versuchen Sie es nie Sie sollten während der Dreharbeiten nicht verwendet werden. Beachten Sie, wie unangenehm es aussieht, wenn der Moderator vor der nächsten Frage und sogar während der Interviewpartner antwortet, in einem Blatt Papier versunken ist. Aber es ist nicht weniger unangenehm, eine Person anzusehen, die sprachlos ist oder zögernd eine Frage formuliert. Darüber hinaus gibt es ein psychologisches Kommunikationsgesetz, ausgedrückt in einer kurzen Alltagsformel: „Was ist die Frage, ist die Antwort.“ 6. Wenn möglich, verstecken Sie das Mikrofon (es sei denn, es handelt sich natürlich um eine Situation, in der das Mikrofon in den Händen des Interviewers sein muss; dies sollte jedoch nicht die Regel, sondern eher die Ausnahme sein). Ich entschuldige mich für den groben Vergleich, aber er ist effektiv: Ist Ihnen aufgefallen, wie die meisten Mikrofone geformt sind? Es gibt nicht genügend Assoziationen – offen Freud. Nun ist es klar, als Sie stoßen einem Mann ins Gesicht?! 7. Unter keinen Umständen darf das Mikrofon aus den Händen des Interviewers an jemand anderen gelangen. Das Mikrofon während eines Interviews ist der „Stab der Situationskontrolle“. 8. Tragen Sie das Mikrofon nicht „von Mund zu Mund“ – wenn der Raum nicht laut ist, reicht es aus, einen bestimmten durchschnittlichen Abstand zwischen Ihnen und dem Befragten, irgendwo auf Brusthöhe, zu wählen und einfach den Kopf zu drehen – die Empfindlichkeit von Ein durchschnittliches Mikrofon reicht normalerweise aus. 9. Verbieten Sie sich bei Dokumentarfilmen Befehle wie „Motor“, „Start“, „Stopp“ sowie alle Verhandlungen wie: „Was, haben wir angefangen?“, „Schreiben wir?“ „Kamera funktioniert“ usw. Finden Sie menschliche Synonyme für sie und sprechen Sie sie immer mit ruhiger, „alltäglicher“ Stimme aus. Noch besser ist es, über ein System diskreter Symbole für Befehle an den Bediener und andere Teammitglieder zu verfügen. Alle möglichen Handzeichen usw. auch inakzeptabel (Finger reichen) - was einen Schauspieler normalerweise anregt, verwirrt und schockiert einen normalen Menschen sogar. 10. Schalten Sie die Aufnahme-LED an der Kamera aus (falls es einen Kippschalter oder eine Funktion im Menü gibt) oder verdecken Sie sie: Das Interview hat unbemerkt vom Helden begonnen, ein gutes Gespräch läuft und plötzlich sieht die Person ein rotes Licht Guckloch und erkennt, dass gerade eine Aufnahme läuft. Bevor Sie blinzeln können, wird sich sein Verhalten ändern. 11. Versuchen Sie, am Set so wenige Funktionen wie möglich zu kombinieren: Es ist unmöglich, gleichzeitig zu interviewen und den Kameramann zu steuern, geschweige denn zu filmen. Suchen Sie sich entweder einen Interviewer oder einen Regisseur, dem Sie vertrauen (nicht nur menschlich, sondern auch kreativ, der Ihre Idee umsetzen kann). Aber wenn Sie sich vor der Schießerei vergewissert haben, dass er Sie versteht und Ihnen vertraut, bleiben Sie diesem Vertrauen bis zum Ende treu und stören Sie ihn nicht. Die Situation der „7 Nannys“ ist nicht besser, als außer Kontrolle zu geraten. 12. Der Platz des Regisseurs ist hinter dem Operator. Genauer gesagt - nach links und etwas dahinter. Übrigens ist es dieses Ohr des Kopfhörers, das angehoben werden sollte. Dann können Sie ganz leise den Befehl erteilen. Und es ist noch besser, dem Bediener beizubringen, Berührungen auf der Rückseite zu verstehen – und der Held kann es nicht sehen, und Sie können es genauer steuern, einschließlich der Geschwindigkeit des PPR und des Zooms (z. B. durch leichtes Erhöhen des Drucks oder Bewegen). während eines Panoramas von einer Seite der Handfläche zur anderen bewegen). Für Befehle reicht meist ein Wort: „rechts“, „schlagen“, „Hände“ usw. 13. Achten Sie besonders bei Arbeiten vor Ort besonders auf Schatten. Selbst in 10 Minuten CHX kann der Nasenschatten um 5 cm wachsen und die Augen können vollständig im Schatten liegen. 14. Benutzen Sie während des Filmens niemals Kamera-Spezialeffekte – diese mit einer Fernbedienung auszuführen ist einfacher und präziser, aber das Entfernen der mit der Kamera aufgenommenen Effekte ist nicht mehr möglich. 15. Lassen Sie sich nicht vom Zoomobjektiv, allen möglichen Bewegungen und Spezialeffekten mitreißen, wenn dies nicht speziell zur Aufgabe und zum Stil gehört, „verlangsamen“ Sie den Bediener und verwenden Sie sie nicht, es sei denn, dies ist für die Bearbeitung unbedingt erforderlich: Dies ist der Fall Zu mächtige Werkzeuge, um sie vergeblich zu verschwenden (warum einen Vorschlaghammer verwenden, wenn ein Schraubenzieher ausreicht), und die Aktion und Dynamik im Bild und Schnitt sind normalerweise viel ausdrucksvoller als die Kameradynamik. 16. Bringen Sie dem Bediener daher beim Aufnehmen von Panoramen und beim Vergrößern und Verkleinern bei, bevor er die Kamera bewegt und nach dem Panorama oder Zoom anhält, die Anfangs- und Endpläne unter statischen Bedingungen aufzunehmen (jeweils mindestens 5 bis 7 Sekunden). Dann können unnötige Bewegungen „herausgeschnitten“ werden, sodass statische Pläne übrig bleiben. 17. Vergessen Sie nicht den Horizont – ein leichtes Verwackeln der Kamera verzeiht der Betrachter eher als ein stabiles, aber schiefes Bild. Natürlich hat jede Art von Material ihre eigenen Besonderheiten beim Filmen. Bericht Hier verzeiht der Betrachter einiges: ein Mikrofon im Rahmen, Schatten und einen instabilen Rahmen. Bloß nicht „übertreiben“, sonst entwickelt sich das Gefühl eines erfassten Einsatzereignisses zu einem Gefühl von Dreck. Wie denken sie über Schmutz? Versuchen Sie beim Filmen einer Reportage generell, die Atmosphäre der Veranstaltung zu vermitteln. Die wertvollsten Synchronizitäten sind hier nicht diejenigen, die erklären, sondern diejenigen, die emotional anstecken und die Energie, Dynamik und Emotion des Ereignisses vermitteln. Die wertvollsten Aufnahmen sind die gleichen, dazu kommen die ergreifendsten Momente – die Unterstützungen, die Aufschlüsselungen der Ereignisse. Erklären Sie den Rest hinter den Kulissen. Wenn Sie mit einer Kamera eine Geschichte über ein Fußballspiel (oder ähnliches) filmen, nehmen Sie die Details auf: Füße mit dem Ball, Pfiffe, Tore, Stürze und schreiende Zuschauer. Einwürfe und das Umherlaufen des Feldes aus der Ferne sind uninteressant – ein Dutzend solcher Schüsse reichen für eine Reportage. In einem Bericht ist nur eine Logik wichtig – die Logik der Entwicklung eines Ereignisses von Panne zu Panne. Es spielt keine Rolle, dass man das Ereignis selbst oft nicht filmen kann, sondern nur seine Folgen. Wenn Sie den Fortschritt mit Kamera und Bearbeitung (einschließlich Archiven) simulieren können, wird Ihnen der Betrachter die Verspätung verzeihen. Versuchen Sie nur nicht, es auszuspielen oder „künstlerisch“ zu reproduzieren – der Stand wird sofort verehrt und zerstört das Vertrauen selbst in das, was Sie wirklich gefilmt haben. Besondere Effekte im Bericht und in den Informationen im Allgemeinen sind unangemessen – außer vielleicht einem Vorhang zwischen den Handlungssträngen und blockierenden Blöcken. Die wichtigste und einzige Anforderung, die der Zuschauer an einen Bericht stellt, besteht darin, die Hauptphasen des Ereignisses mit eigenen Augen zu sehen und seine emotionale Dominanz zu spüren. Je weniger scharfe Wendungen es gibt, desto geringer ist der Zeitaufwand für die Handlung – im Durchschnitt sollte sie 1 bis 3 Minuten nicht überschreiten. Melden und fotografieren Sie nur das Wesentliche und die Details, die die emotionale Dominante vermitteln. Essay setzt zunächst das Verständnis eines bestimmten Autors für das Material voraus. Auch wenn es sich um eine Reportage handelt, steigen die Ansprüche des Betrachters sowohl an die Ästhetik des Rahmens und Schnitts als auch an die Struktur des Gesamtkonzepts um eine Größenordnung. Von Ihnen wird nicht mehr erwartet, dass Sie ein Ereignis einfach nur zeigen, sondern dass Sie dessen Ursachen, Handlungsverlauf und Folgen offenlegen und im Gegensatz zu einem Bericht auch die Haltung des Autors klar zum Ausdruck bringen. Aus all diesen Anforderungen ergibt sich die Notwendigkeit einer dramatischen Gestaltung der Handlung, was bedeutet, dass wir ausnahmslos alle Elemente nutzen müssen. Rahmeninstabilität, technische Mängel, unklarer Ton und blaue Gesichter sind hier nicht mehr verziehen. Den Zuschauer interessieren unsere Probleme beim Filmen und Schneiden nicht. Er weiß, dass dies nicht eine Stunde nach Drehbeginn ausgestrahlt wird und fordert Respekt. Darüber hinaus überwiegt hier bereits das Interesse an der Darstellung der Veranstaltung durch den Autor das Interesse an der Veranstaltung selbst. Damit verändert sich auch die Aufnahmesituation. Hier können Sie folgendes vorschlagen: 1. Scheuen Sie sich nicht, das Ereignis selbst durch seine künstlerische Interpretation zu ersetzen – im Gegensatz zu Informationen ist es hier angemessen und sogar notwendig (natürlich im Rahmen des Zumutbaren – Sie können es nicht mit Schauspielern spielen). 2. Wählen Sie die assoziativen Reihen genau aus – es sollten weder wenige Assoziationen (das künstlerische Verständnis geht verloren) noch viele (der Betrachter wird einfach darin „ertrinken“, ohne Zeit zum Entschlüsseln zu haben) vorhanden sein. 3. Wählen Sie im Voraus genau den Aufnahmestil basierend auf dem gewählten Genre. Sie können die Hauptgeschichte als Bericht, als entfernte Beobachtung oder als voreingenommene Untersuchung gestalten, sie muss jedoch klar definiert und in der Art und Weise, wie die Kamera funktioniert, sichtbar sein. Darüber hinaus kann der Stil der Verfilmung der Hauptgeschichte und Ihrer assoziativen Videokommentare dazu unterschiedlich sein, aber dieser Unterschied sollte es auch sein ausdrücklich, genau und leicht lesbar und Achten Sie darauf, in die gleiche Tonart zu gehen (als wären Bemerkungen „vom Autor“, in einer anderen Schriftart – nennen wir es konventionell „petite“). Versuchen Sie gleichzeitig, das Fotografieren in unterschiedlichen Stilrichtungen über die Tage hinweg zu verteilen – andernfalls wird es für den Kameramann und auch für Sie schwierig, den Gang zu wechseln, und am Ende kommt es möglicherweise einfach dazu, dass Sie Aufnahmestile vermischen – was grundsätzlich inakzeptabel ist . Und wenn Sie einen neuen Stil einführen (aber auf keinen Fall mehr als 3), bestimmen Sie genau die visuellen „Zugriffsschlüssel“ dafür (vorzugsweise mindestens 2-3 gleichzeitig). Dies kann eine „Live-Kamera“ auf dem Hauptmaterial und harte Statik im „Petite“ sein. Oder ein scharfer Wechsel in Schnitt und Intra-Frame-Rhythmus. Oder Farbübergänge – s/w. Oder nur im „Petite“-Zoom usw. verwenden. usw. Endlich Bildschirm-Frame-Caching. Aber wenn Sie den Aufnahmestil übernommen haben, befolgen Sie ihn bis zum Ende; er kann nicht geändert werden. 4. Wenn Sie das Gefühl haben, dass die Gefahr einer Ehe besteht, ist es besser, die Dreharbeiten abzubrechen oder auf einen anderen Tag zu verschieben. Im Aufsatzsystem ist ein in der Ehe gefilmtes Bild oder eine Episode (unabhängig von Ton, Bild oder Komposition) = ein nicht gefilmtes Bild oder eine nicht gefilmte Episode. Unter keinen Umständen sollten Sie es zur Installation mitnehmen. Das gilt übrigens ganz besonders für Ihre „Petits“. Natürlich ist die Ehe etwas anderes als die Ehe. Ein kleiner Verlust auf dem Film ist eine Sache, ein verzerrter Horizont und ein holpriger Rahmen eine andere. 5. Drehen Sie zuerst die schwierigste Episode, an der die Hauptfigur jedoch nicht beteiligt ist. Dann - alles andere. Das Paradoxe ist, dass dieses erste Stück höchstwahrscheinlich neu gedreht werden muss. Dies gibt Ihnen und dem Bediener jedoch die Möglichkeit, vor der Kamera die Genauigkeit des gegenseitigen Verständnisses und den Widerstandsgrad des Materials zu spüren, und wird sozusagen zur Stimmgabel für die weitere Arbeit. 6. Verlassen Sie sich nicht auf die Genauigkeit geografischer, zeitlicher, räumlicher und anderer Bezüge (es sei denn, dies ist natürlich für die Handlung wichtig). Welchen Unterschied macht es, durch welche Gasse Bunin ging, wenn die Gasse im benachbarten Park eher zur Stimmung von Bunins „Dunklen Gassen“ passt? Montieren Sie sie – das ist alles. Das wird der Betrachter schneller verzeihen als die verkrüppelten Büsche, aber es ist „das Gleiche“. Produktionsprogramm erfordert noch größere Sorgfalt bei der Bildgestaltung und deutet auf die Möglichkeit hin, Spielepisoden einzufügen oder eine komplette Schauspielkonstruktion zu erstellen. Hier stehen die Originalität des Konzepts, des Inhalts und der unterhaltsamen Form im Vordergrund – das Material spielt praktisch keine Rolle. Welchen Unterschied macht es am Ende, wer heute „Field of Miracles“ spielt – der Zuschauer beobachtet den eigentlichen Spielablauf. Und das Vorhandensein von „Sternen“ ist nur eine „scharfe Soße“, die den Geschmack eines langweiligen „Gerichts“ schärft. Die wichtigste Voraussetzung ist, vorsichtig mit der Natur umzugehen, denn... Das Maß an Konventionalität, das normalerweise in einem Pavillon im Vergleich zur Natur aufgebaut werden kann, kommt sofort, wie man sagt, „wie ein Pfahl“ heraus und verkauft genau die Inszenierung der Lösung. Es gibt Situationen, in denen man dies nutzen und, nachdem man die Konvention des Pavillons enthüllt hat, daraus einen Schachzug des Regisseurs, ein künstlerisches Mittel machen kann. In den meisten Fällen sind jedoch gesonderte Anstrengungen erforderlich, um das Gefühl einer Kluft zwischen Natur, realen Innenräumen und dem Pavillon auszugleichen. Merken Sie sich: Nicht-synchrones Schießen, d.h. normale Aufnahme ohne Ton. Der wichtigste Rat hier ist: Versuchen Sie niemals, den Ton, den Sie versehentlich mit einer Kamerapistole aufgenommen haben, als synchronisierten Ton zu verwenden. Dieses Mikrofon wurde entwickelt nur Dieser Ton eignet sich zur Aufnahme von Zwischengeräuschen und nur dafür. Der Rest ist Kamerageschick. Synchronaufnahme: Entscheiden Sie schon vor der Aufnahme, wie Sie die Aufnahme machen möchten. Im Allgemeinen sind alle Synchronisationen in offizielle Reden und Interviews unterteilt, offen und versteckt. 1. Formelle Rede: Hier sollte alles der Aufgabe untergeordnet sein, die Aufmerksamkeit auf den Sprecher zu lenken. Diese. keine unnötigen Angaben, insbesondere persönlicher Art. Die Hauptpläne sind Medium und American Medium. Der Winkel wird in der Regel von vorne „vom Nabel aus“ gemessen. Es reicht aus, 2 – 4 Mal einen Überblick zu geben, damit sich der Betrachter beispielsweise im Raum orientiert. am Anfang und am Ende, unter dem Abspann (kann auch als Unterbrechung verwendet werden, dann muss man es aber so filmen, dass die Lippen des Sprechers nicht sichtbar sind). Diese. hier ist höchste Strenge und sogar Askese des Rahmens erforderlich. Das Mikrofon sollte entweder versteckt sein oder auf dem Tisch stehen und mit etwas abgedeckt werden (z. B. einem Tischkalender usw.), aber auf keinen Fall in den Händen des Redners liegen. 2. Ein offizielles Interview ähnelt einer Rede, setzt aber eine größere Offenheit (keine Betonung) der Aufnahmesituation voraus, die Anwesenheit eines Journalisten im Bild, der allerdings auch in diesem Fall keine Person sein kann, sondern als agiert „Repräsentant des Publikums.“ Eine direkte Ansprache des Publikums ist hier nur zu Beginn und am Ende des Interviews möglich. Es darf keine Unterbrechungen und vor allem keinen Streit mit dem Redner geben: eine Frage, eine Antwort mit klarem Schluss, die nächste Frage. Das Mikrofon liegt zwar in den Händen eines Journalisten, besser ist es jedoch, es auf den Tisch zu stellen. Der Schwerpunkt liegt hier, wie bei einer offiziellen Rede, auf dem Befragten. 3. Offene Synchronizität, sowohl ein Interview als auch ein Monolog, gibt bereits viel mehr Freiheit. Dazu gehört die Möglichkeit, dass ein Journalist im Bild anwesend ist, und seine offene Arbeit vor der Kamera (bis hin zu regelmäßigen direkten Ansprachen an das Publikum), in den Film eintauchen und andere Geräte verwenden. Hier können Sie alles kreieren, was Sie wollen: von offiziell bis hin zu völliger Absurdität – je nachdem, welchen Stil und welches Genre Sie wählen. 4. Verborgene Synchronisation, auch in einem Monolog oder Dialog, impliziert, dass beim Betrachter das Gefühl entsteht, beobachtet zu werden, dass die Situation unbeabsichtigt ist. Alles, was mit der technischen Seite und der Aufnahmesituation selbst zu tun hat, sollte äußerst verborgen bleiben. Keine Mikrofone, Lichter, Kabel, Fragen hinter der Kamera usw. kann nicht im Rahmen sein. Selbst der Blick der Charaktere in die Kamera kann nur zufällig sein. Diese. Der Betrachter soll das Gefühl einer versteckten Kamera haben. Sie können ein Mikrofon überall verstecken: von einem Knopfloch, das im Revers einer Jacke versteckt ist, bis hin zur Aufnahme mit einer Mikrofon-„Pistole“. Wenn Sie weder das eine noch das andere haben, bauen Sie eine Buchattrappe (eine Schachtel in der Größe eines großen Buches mit aufgeklebtem Einband), platzieren Sie sie mit dem Rücken zur Kamera zeigend und verstecken Sie das Mikrofon dort (in die Enden werden kleine Löcher gebohrt). , und der Rest des Innenraums ist mit Schaumgummi bedeckt). Und Sie können sich so viele solcher Dummies ausdenken, wie Sie möchten. Auf sich bewegende Objekte schießen. Vergessen Sie nicht, dass die Videokamera auch eine Verschlusszeit hat – die Geschwindigkeit, mit der der elektronische Verschluss arbeitet. Je kürzer die Motivgeschwindigkeit, desto kürzer sollte die Verschlusszeit sein. Wenn Sie jedoch die Dynamik der Bewegung wirklich betonen müssen, können Sie im Gegenteil die Mindestgeschwindigkeit einstellen und so eine Schmierung des Objekts wie einer Spur dahinter erzielen. Und noch etwas: Je größer das Objekt aufgenommen wird, desto länger die Optik, desto größer ist das Gefühl der Bewegungsdynamik (denken Sie an die Pfeiler neben dem Zugfenster und in der Ferne). Übertreibe es einfach nicht noch einmal. Gleiches gilt für die Bewegungsfotografie. Beim Fotografieren in Bewegung gilt: Das Wichtigste ist, Verwacklungen zu beseitigen oder zumindest zu minimieren. Solche Aufnahmen müssen meist aus der Hand geschossen werden – wenn man nicht über spezielle Ausrüstung verfügt, fungiert der Bediener selbst als Kompensator. Regel 1 besteht darin, die Kontaktfläche zu minimieren; je weniger Stützen, desto besser. Versuchen Sie, sich vor dem Drücken der Taste an den Bewegungs- und Tonrhythmus anzupassen. Wenn es rhythmisch ist, wie in einem Zug, ist es nicht schwierig. Aber in einem Auto sind Schlaglöcher und Schlaglöcher unvorhersehbar. Versuchen Sie daher, beim Blick durch den Sucher die Empfindungen des Körpers zu spüren und sich darauf einzustellen. Mit etwas Training werden Sie den Beginn des Drucks spüren und in der Lage sein, die meisten davon zu kompensieren. Versteckte Kamera: Es ist klar, dass in diesem Fall weder die Kamera, noch der Bediener, noch das Mikrofon, noch die Kabel, noch das Licht sichtbar sein dürfen. In der professionellen Fotografie werden hierfür nur in eine Richtung transparente Spiegel oder gleich getöntes Glas verwendet. Es ist schwierig, sie zu bekommen, also können Sie es einfacher machen: ein Stück Samt oder schwarzen Stoff, über einen Rahmen gespannt oder drapiert. Dieser Ort sollte abgedunkelt und vor direktem Licht geschützt werden, damit es nicht zu einer Blendung durch die Linse kommt. Genau für die Linse wird ein Loch in den Stoff geschnitten. Die Kanten können durch Möbel etc. verdeckt sein. Es ist auch gut, eine Art Nachttisch und eine Vase mit Blumen oder etwas anderes, das zur Einrichtung passt, vor diesen Paravent zu stellen. Als letzten Ausweg können Sie einen Haufen Koffer abstellen, denselben Lappen darauf werfen und sich beim Helden für die Unordnung entschuldigen oder den Bediener unter einem drapierten Tisch verstecken. Das Licht ist so platziert, dass der Held entweder durch natürliches oder reflektiertes Licht und natürlich nur durch Haushaltslampen beleuchtet wird. Das Mikrofon ist auf dem Tisch versteckt, Kabel sind unter Teppichen, Wegen usw. versteckt. (Auch hier sollten Sie nicht mit einer Kammerpistole rechnen). Und noch eine Option: Manchmal ist es nicht einmal nötig, die Kamera zu verstecken, sondern sie einfach in die andere Richtung zu richten und dort einen Dialog zu spielen. Und verwenden Sie einen Spiegel (vorzugsweise 2 - 3). Dann kann sogar das Licht, vermeintlich auf einer anderen Plattform platziert, mit Spiegeln dorthin gelenkt werden, wo es benötigt wird. Wenn Sie präzise und elegant genug sind und sich nicht durch den Blick auf den Kameramann verkaufen, werden Sie die Kamera besser verstecken, als sie überhaupt zu verstecken. Vergessen Sie aber nicht die Ethik: Unmittelbar nach der Bearbeitung, wenn noch Zeit ist, etwas zu ändern, stellen Sie sicher, dass Sie diese Episode dem Helden zeigen und seine Zustimmung einholen, sie zu zeigen. In Zweifelsfällen (wenn Sie sich der Integrität der Person nicht sicher sind) – schriftlich. Kann helfen, Rechtsstreitigkeiten zu vermeiden. Doppelbelichtung: Diese Methode gilt bereits für kombinierte Aufnahmen. Nehmen wir an (nicht unbedingt in einem Märchen), Sie müssen zwei Helden – einen Riesen und einen Zwerg – in einem Bild zeigen. Dies geschieht folgendermaßen: Eine der Figuren wird an der richtigen Stelle mit der richtigen Größe und viel Platz für den Standort der zweiten Figur gefilmt. Die zweite wird entweder auf einem blauen Hintergrund gefilmt und mittels einer Maske ins Bild gebracht (Key-Projektion), oder auf einem sehr schwarzen Hintergrund (Samt oder ein schwarzes Loch, zum Beispiel auf der nächtlichen Straße), beleuchtet mit einem sehr starken Spot angezündet und auf einem Mixer in den Rahmen gebracht. Beide Methoden haben ihre Nachteile. Bei der Rückprojektion (Chromschlüssel) entsteht das Gefühl eines Fingerabdrucks; bei der zweiten besteht die Gefahr, dass Hintergrunddetails durch die Figur hindurchscheinen. Und in jedem Fall benötigen Sie einen Monitor, auf dem das fertige Bild sichtbar ist – ohne ihn ist es fast unmöglich, die Bewegung und Position der zweiten Figur genau anzupassen. Am Computer geht das einfacher: Einige Bearbeitungsprogramme verfügen über eine Funktion zur nachgeführten Maskierung. Dabei markiert man die Konturen des fotografierten Objekts und die elektronische Maske verfolgt dessen Bewegungen. Auch wenn hier nicht alles so einfach ist, handelt es sich praktisch um Handarbeit. Grundriss des Hauses und Fertigstellung der Szenerie: Wenn Sie nicht die Möglichkeit haben, nach Indien zu reisen oder im Zentrum von Kansk einen indischen Raja-Palast zu bauen, und aus irgendeinem Grund unbedingt eine Figur vor ihrem Hintergrund fotografieren müssen, dann finden Sie einfach eine Bild dieses Palastes oder, noch besser, einen örtlichen Handwerker, der ihn für Sie anfertigen wird. Dieser Palast besteht aus Pappe oder Sperrholz im Maßstab 1:100 (natürlich gilt: je größer, desto besser). Als nächstes folgt die gleiche Rückprojektion. Und um den Fingersatz zu verbergen und den Charakteren die Möglichkeit zu geben, irgendwie mit dem Raum zu interagieren, werden die Elemente des 1. und 2. Plans in voller Größe angefertigt und im Pavillon installiert. Manchmal reichen ein paar Bodenvasen mit Blumen oder ein paar Pappsäulen, die den Helden beim Durchgehen blockieren. Es macht hier keinen Sinn, über die Technologie eines virtuellen Studios nachzudenken: Wer über eine Ausrüstung dieses Niveaus verfügt, spart in der Regel auch nicht an der Schulung des Personals. Aufnehmen mit einem Tonträger: Es ist klar, dass man zuerst den Tonträger selbst haben muss. Jetzt haben die meisten Künstler die Möglichkeit, sie selbst und in mehr oder weniger guter Qualität herzustellen. Aber dann ist es deine Aufgabe. Das Hauptproblem bei Tonträgeraufnahmen besteht darin, eine genaue Synchronisation sicherzustellen. Wenn Sie beabsichtigen, das Lied am Stück zu filmen und dann Stadtpläne oder andere nicht synchrone Pläne hineinzuschneiden, ist das kein Problem. Nehmen Sie einen „Backing-Track“ durch einen Tonmixer auf, den der Künstler selbst erhalten kann, stellen Sie eine Balance zwischen Gesang und Begleitung her, übertragen Sie den Ton von der Fernbedienung und das Bild von der Kamera auf den Videorecorder – und nehmen Sie so viele Takes auf, wie Sie möchten . Hat man jedoch den Verdacht, dass Aufnahmen bearbeitet werden müssen oder möchte man von einer Halbbildaufnahme auf eine Nahaufnahme umstellen, ändert sich die Situation grundlegend. Und wenn Sie den kleinsten Fehler machen, werden Sie beim Bearbeiten garantiert Kopfschmerzen bekommen, weil Sie verzweifelt versuchen, die Synchronisierung zu erreichen. Benutzen Sie in diesem Fall zunächst nur das Plus-Pad. Nicht einmal der härteste Profi wird jemals den Tonträger perfekt treffen, bis auf 1/25 Sekunde. Zweitens: Verwenden Sie zum Abspielen von Tonträgern keine Audiorecorder, auch nicht die idealsten, da die Wiedergabegeschwindigkeit zu instabil ist. Diese Geschwindigkeitsabweichung ist mit dem Gehör nicht wahrnehmbar, reicht aber für eine ernsthafte Desynchronisation völlig aus. Nur ein Tonbandgerät mit Quarzstabilisierung der Antriebswellengeschwindigkeit kann eine absolut genaue Wiedergabegeschwindigkeit gewährleisten. Diese Stabilisierung wird in Nagra-Audiorecordern, Rhythm Reportern, einigen Rhythm-Modellen usw. verwendet. professionelle Fernseh- und Filmausrüstung. Und in absolut allen, sogar Haushalts-Videorecordern. Wenn Sie sich also auf die Aufnahme mit einem Backing-Track vorbereiten, müssen Sie als Erstes den „Plus“-Track auf einen Videorecorder übertragen. Und nur einmal umschreiben. Wenn Sie Ihr Leben vereinfachen und es mehrmals von einem normalen Kassettenrekorder aus neu schreiben möchten, um während der Aufnahme nicht zurückzuspulen, treten aufgrund der Geschwindigkeitsinstabilität die gleichen Synchronisierungsdiskrepanzen auf. Sie können vom Videorecorder aus so viel umschreiben, wie Sie möchten. 1-1 Sekunden vor dem Tonträger empfiehlt es sich, ein kurzes Tonsignal – „Peak“ – aufzunehmen. Er hilft Ihnen später bei der Anpassung der Synchronisierung. Darüber hinaus müssen Sie von dieser Kassette (sie wird nun Ihr Master-Tonträger sein) eine Kopie auf eine andere Videokassette erstellen, von der Sie den Tonträger während der Dreharbeiten abspielen. Da die Masterkassette hochwertiger ist, sollte sie nur zur Installation verwendet werden. Weitere möglich zwei Schusstechnologien: 1. Wenn Sie am Drehort über eine normale 220-V-Steckdose verfügen, spielen Sie den Tonträger von einem beliebigen Videorecorder auf einen Verstärker und drehen so viele Takes wie nötig. 2. Wenn Sie auf freiem Feld oder auf einer Stadtstraße fotografieren müssen, wo es keinen Ort gibt, an dem Sie einen Videorecorder installieren und anschließen können (nicht alle Studios verfügen über batteriebetriebene V/M), kopieren Sie den Tonträger auf eine Videokassette Legen Sie diese Kassette so oft wie nötig ein, legen Sie sie in die Kamera ein, schließen Sie den Audioausgang der Kamera an einen tragbaren Verstärker an und nehmen Sie Aufnahmen im „Einfügen“-Modus auf. Die Qualität der Soundtrack-Wiedergabe spielt beim Filmen keine Rolle – Sie nutzen diesen Ton nur zur Orientierung beim Schnitt. Es ist lediglich darauf zu achten, dass der Ton für die Interpreten verständlich und verständlich ist, damit sie selbst in ihren Tonträger einsteigen können. Beim Bearbeiten nehmen Sie eine Masterkassette und legen nach Eingabe eines Tonträgers in den CHX (am besten mit Akzenten und starken Beats, zum Beispiel einem Schlagzeuger) ein Bild, ebenfalls im Modus „Per Video einfügen“, ein der Tonträger. Wenn Sie bei der Vorbereitungstechnik keinen Fehler gemacht haben, den Takt genau getroffen haben und der Interpret nicht den Mund über seinen eigenen Tonträger aufgerissen hat, ist Ihnen Synchronität garantiert. Am besten schneiden Sie in dieser Reihenfolge (nicht notwendig, aber bequemer): Eine Nahaufnahme des Sängers wird synchronisiert und dem Tonträger überlagert. Dann werden, entsprechend dem Schnittplan, Zwischen- und Totalaufnahmen und dann Instrumentalisteneinblendungen eingefügt. Darüber hinaus können Sie mit letzterem das sogenannte verwenden. „falsche Synchronisation“, d.h. Rahmen, die nicht genau dem Ort der Aufführung entsprechen, ihm aber im allgemeinen Bewegungsablauf ähneln und in den Rhythmus fallen. Diese Technik ist besonders hilfreich, wenn es nicht möglich ist, eine Musiknummer mit Tonspur zu filmen. Dann filmen Sie nur den Sänger beim Lied selbst und filmen die Instrumentalisten bei anderen Nummern. Und stecke es in einen falschen CHX. Wenn es selbst bei einem falschen CHX schwierig ist, in den Rhythmus zu kommen (dies kommt besonders häufig bei Trommeln vor), können Strobing-Frames und verschiedene Unschärfen, Hervorhebungen usw. die Situation retten. Techniken, die die genaue Wahrnehmung der Synchronisation verwischen (verwenden Sie sie nur nicht bei einem Sänger). Und wenn Sie ein Profi sind und diesem kurzen Leitfaden für Anfänger etwas hinzufügen möchten, freue ich mich über die Gelegenheit, diesen Abschnitt mit Ihren Ratschlägen zu erweitern. Veröffentlichung: v-montaj.narod.ru
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