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Montagewerkstatt für Profis

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Was ist auf dem Bildschirm am schwersten zu erkennen? Natürlich Visualisierung abstrakter Konzepte. Wie vermittelt man das Gefühl von Liebe und Hass, Glück und Traurigkeit ...? Aber damit muss man sich ständig auseinandersetzen.

Der vorgeschlagene Workshop soll dabei helfen, Lösungen für solche Probleme zu erarbeiten. Ich muss Sie sofort warnen, dass die Beherrschung des Schnitts allein hier nicht ausreicht. Ohne jeden einzelnen Rahmen zu berechnen, ohne einen Plan, wird es bestenfalls möglich sein, eine Art Abstraktion zusammenzustellen, die durch den Text kommentiert wird. Aber auch dieser Text dient nicht der Veranschaulichung, sondern wurde deshalb gewählt. Es sei denn, die Uhr auf dem Tisch lässt sich nicht vermeiden. Solch ein abstrakter Text muss nur durch Assoziationen und Bilder gelöst werden.

Ja, ich muss Sie warnen: Dieser Text hat nichts mit Metaphysik, Religionen usw. zu tun. Regionen. Dies ist ein Auszug aus dem rein philosophischen Werk von A.F. Losev „Dialektik der künstlerischen Form“. Daher widerspricht die religiöse Ikonographie eindeutig der Bedeutung des Textes durch den Autor (und zerstört daher das Band).

Also, der Workshop: Lesen Sie den Text, drehen und schneiden Sie ein Video, das genau zum Text passt und die Bedeutung des Textes offenbart, und sprechen Sie ihn aus.

Versuchen Sie, keine speziellen zu verwenden. Auswirkungen. Vielleicht 2-3 mal mit dem Mixer.

Aber ich erinnere Sie noch einmal daran: Das ist eine Aufgabe für Profis. Können Sie? :-)

„Wir wissen noch nichts und genehmigen nichts. Wir nehmen eins. Was genau das ist, ist nicht wichtig, da wir genau nehmen Kategorie eins, das überall und in allen Dingen gleich ist. Hier erhalten wir zunächst die reine Einheit, die als solche nicht unterscheidbar und eine absolut unteilbare Singularität ist. Nehmen Sie diese Uhr, die auf dem Tisch steht. Obwohl in der Tat sie bestehen aus vielen Teilen, aber bedeutung Sie sind eine Art Singularität, die durch nichts anderes mehr teilbar ist. Nehmen Sie jetzt alle Dinge, die die Welt ausmachen. Das Denken verlangt, dass sie zunächst etwas Ununterscheidbares als Eins, eine Singularität sind, so dass alles, was in ihm existiert, zu einem Überexistenten, zur ersten Einheit, die eine Individualität und Kontinuität ist, die in nichts mehr teilbar ist, aufgeht . Wenn wir das Sein als Ganzes betrachten, dann gibt es nichts, von dem es sich unterscheiden könnte, und daher hat es keine Grenzen; das bedeutet, dass es über den Grenzen, über dem Umriss, über der Bedeutung, über dem Wissen, über dem Sein liegt. Das ist die Einzigartigkeit der Welt als Ganzes, so ist die Einzigartigkeit jedes einzelnen Dings. (in Bezug auf einzelne Teile einer Sache). Also, der Beginn der Dialektik - undenkbar, Übervorstellbarkeit, absolute Singularität, die weder dies, noch dies, noch das, noch irgendein separates Ding überhaupt ist, sondern die Kraft aller Dinge und Kategorien.

Doch auf der Grundlage eines undenkbaren, höherexistentiellen, nur potentiell bestimmbaren Wesens zu bleiben, würde bedeuten, in den metaphysischen Agnostizismus, in die dualistische Lehre „von den Dingen an sich“ zu verfallen. Der Gedanke, der zunächst das Undenkbare fordert, fordert sofort Annahmen dieser erfordert Leben Dieses hier. Einer ist nicht mehr da eins, es ist auch es. Wenn es nur eins gibt eins und - nichts anderes, es ist überhaupt nicht eins und ist überhaupt nichts, da es sich von nichts unterscheidet. Aber hier ist eine Sache es eins eins da ist. Was bedeutet das? Das bedeutet, dass es sich von anderen unterscheidet, sich innerhalb seiner Grenzen abgrenzt, wird etwas, entschlossen, verstanden, formalisiert. Von nun an ist es nicht nur ein unteilbares, sondern auch ein getrenntes Vieles, weil es eine Grenze akzeptiert hat. Es hat eine Gliederung und damit Verständnis erhalten. Es ist etwas Bestimmtes und damit Seiendes geworden. Das ist die Singularität, die als eigenständige Pluralität gegeben ist.“

(Losev A.F. Dialektik der künstlerischen Form. Sammlung. Form – Stil – Ausdruck. M, „Thought“, 1995, S. 10-11)

Wie gefällt Ihnen ein rein philosophischer Text? :-))

Stimmen Sie zu, es ist viel wert, so etwas zu filmen und eine Lösung des Regisseurs und Kameramanns für dieses Problem zu finden. Vielleicht gehst du ein Risiko ein?

Ehrlich gesagt, wenn ich das Geld für Preise hätte, würde ich einen Wettbewerb für die beste Lösung ausschreiben.

Viel Glück an alle!

Machen Sie eine kleine Skizze: Nehmen Sie mindestens 10 Aufnahmen auf, die jeweils mindestens 5 Sekunden lang sind, und schneiden Sie sie. Die einfachste Aktion: Eine Person nähert sich einem Bücherregal, wählt ein Buch aus, nimmt es und setzt sich zum Lesen – Punkt.

Ergebnis: ein unvorbereiteter Zuschauer sollte sein interessant Das ist ein Blick (glauben Sie mir, es ist durchaus machbar). Das Ergebnis wird unten überprüft. Und fortgeschrittene, aber freundliche Kollegen helfen Ihnen, „Patzer“ zu finden.

Erarbeitet:

1. Berücksichtigung der Bearbeitung von Plänen beim Erstellen eines Rahmenplans (und ohne ihn ist ein normales Filmen nicht möglich) und natürlich während der Dreharbeiten.

2. Aufmerksamkeit für die kleinsten Details der Aktion, Details. Und nicht nur WAS, sondern auch WIE ein Mensch tut.

3. Die Montage durch Bewegung wird ausgearbeitet - die Sauberkeit und Genauigkeit des Klebens.

4. Genauigkeit des Montageakzents.

5. Verhältnismäßigkeit von Intraframe- und Schnittrhythmen.

6. Aufmerksamkeit auf die Key-Light-Töne von Frames und deren Kompatibilität in der Bearbeitung.

7. Erfahrung im Filmen von inszenierten Montagen und Episoden mit dokumentarischem Charakter (d. h. als Nicht-Schauspieler).

8. Konstruieren Sie die Länge der Handlung und fesseln Sie die Aufmerksamkeit des Zuschauers mit reinen Schnitt- und Filmmitteln.

Und vieles mehr.

Ein paar Tipps:

• Achten Sie genau auf den Rahmenplan, geben Sie sich nicht mit der ersten Option zufrieden – sie ist meist die schlechteste. G. A. Tovstonogov wiederholte gern, dass die erste Option, die mir in den Sinn kam, ein Stempel war, die zweite ein Anti-Stempel, eine interessante Lösung zwischen den Optionen 1...2;
• Engagieren Sie keinen Schauspieler. Ein guter wird alles in einem Frame abspielen (was haben wir dann damit zu tun?), und ein schlechter wird die genialste Idee zunichte machen. Zwingen Sie Ihren Babysitter daher auch nicht zum Spielen. Sagen Sie ihm einfach: „Kommen Sie zum Regal“, „strecken Sie Ihre Hand aus“, „erinnern Sie sich an etwas Angenehmes“ usw.;
• Sie sollten aus dieser Geschichte kein Video machen: Bevor Sie „Schafe scheren“, ist es besser, sie zuerst zu „züchten“. Das ist schließlich eine Werkstatt. Daher gibt es eine Beschränkung der Mindestplanlaufzeit;
• Beobachten Sie während der Installation sorgfältig die Bewegungsphasen. Beim Kleben durch Bewegung müssen Sie mehrere Frames freigeben, da sonst die Geste auf dem Bildschirm unangenehm „zuckt“. Seltsamerweise entsteht bei präziser Phasensynchronisation ein Gefühl der „Rückkehrbewegung“ – schließlich wird der Moment des Bildwechsels visuell als verpasste Zeit wahrgenommen. Wie viele Phasen freigegeben werden müssen, hängt vom Temporhythmus innerhalb des Frames ab;
• Überfrachten Sie die Handlung nicht mit Musik. Geräusche sind oft viel interessanter und informativer. Und noch mehr im übertragenen Sinne;
• Erwarten Sie beim ersten Mal kein anständiges Ergebnis. Machen Sie 3...4 Optionen (und bearbeiten Sie nicht nur solche – es können auch mehr sein);
• Lesen Sie vor der Aufnahme noch einmal alles, was Sie über die Bearbeitung finden.

Dieser Workshop ist eine direkte Fortsetzung des vorherigen.

Hören Sie den vorherigen Sketch in mindestens drei Versionen und versuchen Sie, mit dem Klangbild ein völlig anderes Gefühl, eine völlig andere Atmosphäre und sogar ein anderes Genre zu erzeugen. Natürlich geht es nicht darum, alles mit einer oder zwei Musen zu „füllen“. Themen. Versuchen Sie, satte Klangbilder zu erstellen, die die Bedeutung der im Bild stattfindenden Aktion erweitern und sogar umkehren – dies ist ein direkter Weg zur vertikalen Bearbeitung und weiter zur Bearbeitung von Attraktionen. Zum Beispiel: Romantik, Detektivgeschichte, Einsamkeit... (nach Geschmack hinzufügen).

Es ist unwahrscheinlich, dass weniger als zwei Spuren verwendet werden können – schließlich muss ein allgemeiner Hauch der Atmosphäre und synchrone Klänge und Akzente sowie das, was in diesem Moment außerhalb des Rahmens geschieht (erklingt) vorhanden sein … Aber egal Bei einem durchschnittlichen linearen Bearbeitungskomplex sind mindestens 2 Pfade vorgesehen. Sie können sie auch (schließlich senden wir nicht) in einer Kassette über eine andere mischen und dann 3-4 hinzufügen. Nun, und wenn Sie ein „nichtlineares“ in Ihren Händen haben ...

Es stimmt, in allem steckt ein gutes Augenmaß: Ein schlechtes Tonbild hat keine Wirkung, es wird langweilig, und eine Übersättigung mit Ton kann auch entweder die Bedeutung der Videosequenz verwischen oder, bei gleicher Betonung, umdrehen es in einen Trommelwirbel. Daher muss die Auswahl der Sounds äußerst aussagekräftig und präzise sein.

Ergebnis: Ein unvorbereiteter Zuschauer sollte es wieder sein interessant das ist etwas zu beobachten, aber er muss alle drei Handlungsstränge unterschiedlich wahrnehmen, d.h. Lesen Sie ihre Idee, Handlung und Bedeutung anders. Wenn möglich, sollte zumindest mit einem professionellen Tontechniker zusammengearbeitet werden.

Erarbeitet:

1. Berücksichtigung von Kombinationen verschiedener Geräusche und deren Auswirkungen auf die Wahrnehmung des Betrachters.

2. Organisation der Atmosphäre der Episode durch den Soundtrack.

3. Möglichkeiten, „Tiefe“ von Aktionen und Ereignissen zu schaffen, den Rahmen des Rahmens mit Voice-Over-Sound zu erweitern und die „Armut“ personeller Besonderheiten zu vermeiden.

4. Genauigkeit und Verständlichkeit der Tonakzentuierung.

5. Proportionalität von Intraframe- und Offscreen-Sounds, deren Tonalitäten und Rhythmen.

6. Die Länge der Tonzeile und die Verwendung von Ton, um die Dramatik zu verstärken und die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu fesseln.

7. Ansatz zur umfassenden audiovisuellen Entwicklung der Episode und darüber hinaus des Leinwandbildes.

Etc

Diese Praxis hilft dabei, wirklich vom „Stimmen“ zur Arbeit mit Ton als vollwertigem Bildschirmelement überzugehen, damit das wirksamste Mittel zur Steuerung der Wahrnehmung und Aufmerksamkeit des Betrachters für sich arbeitet.

Ein paar Tipps:

• Arbeiten Sie zunächst alles auf Papier aus. Ja, 80 % der Dreh- und Schnittarbeiten finden am Schreibtisch statt. Viele Generationen von Studenten haben gegen diese Aussage rebelliert, aber sie ist wahr und muss akzeptiert werden. Wie? Denken Sie daran, dass wir Geld nicht für Technologie, sondern für einen klugen Kopf bekommen (und das ist doch angenehmer, oder?);
• Starten Sie nicht zwei Laute gleichzeitig: Dies führt normalerweise dazu, dass beide „verschwommen“ werden und ihre Bedeutung unklar wird.
• Mehrere Geräusche können nicht den gleichen oder einen ähnlichen Pegel (Lautstärke) haben. Der Akzent hat immer eines;
• Das Zusammentreffen des Tonbeginns mit der Verklebung sorgt für einen kraftvollen Akzent. Der Empfang ist kraftvoll. Aber ist es immer nötig?
• Erwarten Sie auch hier keine anständigen Ergebnisse beim ersten Mal. Machen Sie 3...4 Optionen;
• Lesen Sie vor der Arbeit noch einmal alles, was Sie zum Thema Schnitt und Ton im Kino und im Fernsehen finden (es gibt keinen grundsätzlichen Unterschied).

Der Name dieses Workshops passt nicht wirklich zur Videotechnik, aber ich werde ihn genauso nennen wie vor fast 20 Jahren, als ich ihn mir ausgedacht habe – „Basket“.

Der Kern der Übung bestand darin, nach der Arbeit in den Schnittraum zu kommen, die Filmfetzen, die nicht im Schnitt enthalten waren, aus dem Mülleimer (nicht dem Mülleimer!) zu holen und zu versuchen, aus diesen Bildern etwas Sinnvolles zu komponieren. Einmal wurde eine ganze Kursarbeit auf diese Weise durchgeführt, mit sehr abweichendem Inhalt.

Doch was hält uns heute davon ab, Filmfetzen durch Filmmaterial beispielsweise einer 180-minütigen Quellkassette zu ersetzen, auf der Nachrichtenmeldungen hintereinander gefilmt werden? Schließlich besteht die Aufgabe darin, eine Handlung zu erstellen nie gefilmt. Es ist klar, dass die Zusammenstellung eines von fünf Fußballspielen kein Workshop ist. Und natürlich liegen auch alle Möglichkeiten der Audiospur in Ihren Händen.

Timing – beliebig. Die Hauptbedingung ist, dass das Thema und die Idee der Handlung für den durchschnittlichen Betrachter verständlich sind und wiederum die Aufmerksamkeit aufrechterhalten, d.h. Mangel an Langeweile.

Und die Werkstatt ist gut. Nicht umsonst haben die wahren Koryphäen des Kinos Sketche nicht verachtet – schließlich ist der Ansatz dort absolut derselbe.

Und keine zusätzlichen Dreharbeiten. Es sei denn, das Ergebnis übertrifft die Erwartungen und erweist sich als sendewürdig, aber 2-3 Frames reichen eindeutig nicht aus oder sind nicht verständlich genug. Aber das ist nicht mehr die Aufgabe einer Werkstatt.

Und gleichzeitig versuchen wir zumindest einmal, versuchshalber geduldig zu sein und den Weg der Schnittarbeit des Regisseurs professionell, kompetent und bis zum Ende zu beschreiten.

Wir nehmen also jedes Archiv: Je vielfältiger es hinsichtlich Inhalt, Drehorten, Staffeln usw. ist, desto besser. Schließlich ist es viel schwieriger, aber auch interessanter, einen schönen Übergang vom Winter zum Sommer zu finden, und das ganz ohne Mixer, Vorhänge oder andere Spezialeffekte. Voraussetzung für diesen Workshop ist, dass wir arbeiten nur bei Direktverklebung.

Und wir schreiben die Geschichte.

Erarbeitet:

1. Die Relativität des Inhalts des Rahmens – schließlich hängt seine spezifische Bedeutung jedes Mal von der Bearbeitungsphrase ab, in der er enthalten ist.

2. Veranstaltungsorganisation und Dramaturgie rein montagetechnisch.

3. Die Fähigkeit, hinter den Besonderheiten des Rahmens dessen vollen „Klang“, sowohl semantischen als auch tonalen Oberton, zu erkennen.

4. Berücksichtigung des Tempo-Rhythmus der Intra-Frame-Aktion, der Lichttonalität, der Komposition, der Bewegungsrichtung und anderer Elemente in verschiedenen Frames.

5. Berücksichtigung des Aufnahmestils des Kameramanns (wenn der Kameramann gut ist, zeichnet sich der schlechte durch das Fehlen jeglichen Stils aus).

6. Ein kreativer Umgang mit dem (persönlichen) Studioarchiv ist eine notwendige Fähigkeit, insbesondere für Regisseure und Redakteure kleiner Studios, die nicht die Möglichkeit haben, so viel Zeit wie nötig zu drehen.

7. Entwicklung der kreativen Vorstellungskraft und der Fähigkeit, jedes Material je nach Plan zu variieren.

8. Einführung in „kompromittierendes Material“ auf dem Bildschirm – nicht jedes Bild passt in jede Bearbeitungsphrase und hat die Bedeutung, die der Autor ihm geben möchte. Die Fähigkeit, die Bedeutung eines Rahmens zu „hören“ und die Möglichkeit seiner Umkehrung zu erkennen, nicht die Struktur des Materials zu durchbrechen, sondern ihr zu folgen, verrät immer die Handschrift eines ernsthaften Profis.

Und so weiter ...

Ein paar Tipps und Arbeitsplan:

• Schauen Sie sich das Ausgangsmaterial und einige Bilder mehrmals an, legen Sie es dann beiseite und (bei einigen dauert es eine Woche, bei anderen 2 Stunden, aber zu diesem Zeitpunkt ist es besser, nicht auf den Bildschirm zu schauen) ein Thema zu formulieren (d. h. das problem) und eine Idee (z.B. deine Weg, das Problem zu lösen). Und es muss auf Papier sein. Das Gedächtnis ist ein zu unzuverlässiger Speicher für brillante Ideen. Übrigens genau formuliert auf Papier Der Gedanke hat eine Chance, den Betrachter zu erreichen. Haben Sie bemerkt, wie schwierig es sein kann, selbst etwas, das „schon klar“ erscheint, kurz und klar aufzuschreiben? Deshalb formuliert jede Regie ihre Pläne auf dem Papier;
• Wenn das Thema und die Idee festgelegt sind, schauen Sie sich noch einmal das gesamte zur Bearbeitung ausgewählte Material an und (oh, diese Schrift!) notieren Sie jeden der ausgewählten Pläne auf einer separaten Karte: Rahmeninhalt, Timing, Größe, Tonalität und andere wichtige Kompositionen Details für Sie in diesem Rahmen. Wie genau? Jedenfalls gibt es hier keine Rezepte. Wichtig ist nur, was Ihnen beim Betrachten der Karte hilft, sich an diese Aufnahme zu erinnern und ihren Platz in der zukünftigen Bearbeitungsphrase zu berücksichtigen. Manchmal reicht es zu schreiben „00.10.15. Rotes Quadrat, der Hund schaut in die Kamera, 7 Sekunden.“ und manchmal wird auch die 2. Seite damit verbracht, die Details zu beschreiben;
• Jetzt setzen wir uns an den Schreibtisch und spielen Solitär – eine Aktivität, die zumindest nicht weniger spannend ist als das Spielen von Solitaire. Indem wir die Karten neu anordnen, sammeln wir Montagephrasen, daraus Episoden und schließlich die gesamte Handlung. Natürlich kann dies in einem Texteditor am Computer erfolgen, aber erfahrungsgemäß verleihen die taktilen Empfindungen der Karten diesem Vorgang nicht nur einen besonderen Reiz, sondern wirken sich auch positiv auf die Fantasie aus. (Ich habe die Kartentechnik einst von dem brillanten Dokumentarfilmregisseur Yu. A. Schiller übernommen. Und wenn weltberühmte Regisseure solche Techniken nicht verachten, dann wäre es eine Sünde für uns, nicht nützliche Techniken von ihnen zu lernen);
• Wenn der „Solitär“ fertig ist, überprüfen wir das Ergebnis entsprechend dem Finale, d.h. Wir schauen uns alles vom Ende an, entfernen unnötige Frames oder ersetzen sie – eine sehr effektive Methode zur Überprüfung, übrigens auch für Skripte;
• Wir entscheiden über den Soundtrack: Wir schreiben die Kartennummern auf ein separates Blatt und markieren, was und wie es an dieser Stelle klingen wird.
• Jetzt – zur Installation! Die Papiere sind vorhanden, aber jede am Tisch erfundene Klebeidee wird durch die Praxis erprobt. Und hier muss oft auch eine brillant durchdachte Montagephrase an die Realität bestimmter Aufnahmen angepasst oder sogar eine neue Lösung erfunden werden. Denn unser Solitär ist kein Dogma, sondern nur ein Plan für eine Installationslösung;
• Und auch hier gilt: Erwarten Sie beim ersten Mal kein anständiges Ergebnis. Seien Sie gründlich wie keine andere On-Air-Arbeit. Und mit einer solchen Einstellung müssen Sie mehr als einmal an Ihren Schreibtisch zurückkehren.

Wählen Sie Aufnahmen aus und bearbeiten Sie sie, indem Sie sie entsprechend der Entwicklung zuerst einer und dann mehrerer Dominanten gleichzeitig auswählen. Zum Beispiel ein allmählicher Übergang von blauen Rahmen zu roten Rahmen. Oder von einem ausgeprägten vertikalen Umriss zu einem horizontalen. In diesem Fall ist es wichtig, 3 Bedingungen zu erfüllen:

1. Rahmen müssen in Größe, Winkel usw. montiert werden;

2. für den Betrachter sollte der Übergang organisch und nicht wahrnehmbar sein;

3. Die gewählte Dominante muss sich dramatisch entwickeln, d.h. haben einen Anfang, eine Entwicklung, einen Höhepunkt, eine Wendung und einen Abschluss.

Wir arbeiten auch hier nur bei Direktverklebung, ohne Mixer und Spezialeffekte. Und wir komponieren eine Handlung, auch nur eine visuelle.

Ein paar Tipps:

• Nehmen Sie zunächst ein ausgeprägtes Merkmal als Dominante;
• Wählen Sie Frames aus, die dem Plot entsprechen und diese Funktion enthalten. Das erste Erlebnis kann rein formaler Natur sein, aber ab dem 2. oder 3. ist es besser, gleichzeitig an einer Art Handlung oder zumindest einer atmosphärischen Aufgabe festzuhalten;
• Wir setzen uns an den Schreibtisch und spielen Solitär. In diesem Fall ist es für uns wichtig, auf den Karten die Dominante zu markieren, an der gearbeitet wird;
• Versuchen Sie, die erste Skizze so aufzubauen, dass die Dominante im 1. Bild erscheint, zum Beispiel als kleiner blauer Fleck, dann füllt die blaue Farbe von Bild zu Bild immer mehr des Bildschirms aus, aber etwa 2/3 dieser Füllung Rot erscheint bereits als Fleck, der nach und nach die blaue Farbe verdrängt. Gleichzeitig ist es wünschenswert, dass Dynamik nicht nur in der Größe, sondern auch in der Sättigung der Farbflecken vorhanden ist;
• Hören Sie nicht mit Ihrer ersten Erfahrung auf. Machen Sie ein Dutzend solcher Skizzen – es können nur Montagephrasen von 5 bis 10 Bildern sein – und nehmen Sie jedes Mal ein neues Element als dominierendes Element.
• Sobald Sie sich sicher fühlen, beginnen Sie sofort mit der Anwendung dieser Technik bei Ihrer Arbeit. Schließlich ist das oberste Ziel unserer Übungen die Integration der „Schule“ in den beruflichen Alltag.

Viel Glück! Mit einer sorgfältigen Umsetzung und einem seriösen Umgang mit der Werkstatt steigt die Professionalität Ich garantiere.

In diesem Workshop können Sie die Bearbeitungsschulung zusammenfassen, indem Sie eine eher nicht triviale Aufgabe erledigen: eine zusammenhängende Handlung aus vorgefertigten Handlungssträngen aus früheren Workshops zusammenzustellen. Diese. Die zugrunde liegende „Reader“-Handlung ist irgendwie mit den „Basket“- und „Dominant Montage“-Handlungen zu einem Ganzen verbunden. Die Methode hängt nur vom Inhalt Ihrer Handlungen, Pläne und Vorstellungskraft ab.

Obligatorische Bedingungen: eine streng konstruierte interne Logik der Entwicklung der gesamten Handlung, gut strukturierte assoziative Verbindungen zwischen den Episoden, stilistische Einheit. Und natürlich erfolgt die Arbeit nur im Direktkleben, ohne Mischer und Effekte.

Schwierig? Ja. Aber ich garantiere - es ist durchaus erreichbar.

Und dann, wer hat gesagt, dass Regie einfacher ist als, sagen wir, Atomphysik?!

Über Fantasy: Ein direkter Schritt, der nahe liegt, besteht darin, Handlungsstränge wie Bilder oder Erinnerungen eines in einem Buch gelesenen Helden zu integrieren. Aber das ist die erste Schicht, die im Bereich der Banalität liegt. Dennoch lohnt es sich, sich einen wirklich originellen Schritt auszudenken und ihn zu finden. Schließlich handelt es sich hierbei nicht mehr um ein technisches Problem, sondern um ein echtes kreatives Problem, das einer adäquaten Lösung bedarf. Aber gerade deshalb ist dieser Workshop wertvoll.

Und noch eine letzte Sache. Bevor Sie mit dem ersten Workshop beginnen, lesen die meisten von Ihnen diese natürlich bis zum Ende. Versuchen Sie aber trotzdem, jede Übung durchzuführen, ohne sich auf das Endergebnis von Workshop Nr. 5 zu konzentrieren, obwohl dies für die menschliche Psyche im Idealfall nicht erreichbar ist. Sonst wird es ein Spiel mit sich selbst sein.

Autor: A. Kaminsky; v-montaj.narod.ru

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